谈山水画创作教学

唐立斌

（凯里学院艺术学院  贵州 凯里   556000）

[摘 要] 学习山水画创作，一要学习传统，掌握传统绘画基本技法和内在精神。二要写生，懂得自然规律，自然物象的结构和生长规律。三要多读书，读好书，研究古人和现代成功画家作品，取众家之长为我所用。

[关键词] 学习传统   写生   研究古代和现代画家作品

     山水画创作教学，历来都是普通美术院校美术学专业较为棘手的事情，我国普通院校美术专业的招生考试中，除了专业美术院校考试中国画，专门针对这些学校考试的学生学习中国画，很多普通院校的学生在进校前，与中国画的接触都比较少，大部分都是进了学校才开

始学习中国画，说得严重一点，很多学生进校前甚至拿毛笔的姿势都不正确，对宣纸的性能那就更不用说了，再加上学生进校以后，学习内容较多，相对学习和研究山水画的时间有限，于是通过短短四年的学习，想掌握很多山水画创作的复杂的技能技巧是不切实际的，要达到很高的高度比较困难，但是部分学生又偏爱山水画，毕业创作又选择山水画，作为教师进行创作教学，必须选择一个比较符合学生实际，一个行之有效的方法。

首先我们给学生的创作要有一个定位，山水画创作是一个庞大的系统工程，大到意境的深化，小到一笔一墨是否符合法度，我们的教学对象毕竟是普通院校学生，对学生的创作要求不应该是完全个性化，也不是完全能用绘画“六法”要求的创作，而是相对完整、有一定技术含量、既有传统精神又符合现代人的审美取向、有一定意境的作品即是。学习山水画创作与其他学科一样，有一个由浅入深、循序渐进的过程，至于独创、个性发展、深层次探索的话题，那是另外的话题，把基本的，规律性的东西掌握后再作考虑。本文想就山水画创作教学，学生应懂得的基本方法、步骤和各个步骤中应注意的问题，与同道探讨。我想从三个方面进行阐述。

一、学习传统。它的功能主要是让学生明白传统绘画的基本技法和内在精神等，简言之就是明白中国画的表现方法。

谈到艺术创作,自然先谈继承,即对传统的把握，有了继承才能谈创新，有创新才能求发展，这是不变的法则。中国山水画源远流长，从古至今，每一个时代都是在前人的基础上进行探索、发展，一步步完善并延续致今。研究、学习传统是学习中国山水画的前提，也是探索和发展中国山水画的前提。“传统”是一个有着丰富内涵的概念，具体说：比如中国画的线性造型，皴、擦、染、点，构图原理、章法、物象表现方法、笔墨之道和绘画规律以及人文情怀的表现。

学习传统不仅是学习技巧，更主要是强化精神意识，中国的绘画艺术是华夏民族的智慧与创造力最集中的表现之一，在某种意义上标志着华夏文明在古典文化艺术领域的最高水平。中国人对宇宙自然的看法，对社会人事的态度，对美与永恒性的追求，都在中国绘画艺术里得到了显化，并通过它们而获得了千百万炎黄子孙、乃至世界各国朋友的认同。中国山水画从现存最早的隋朝展子虔的《游春图》起，迄今有近两千年历史，浩翰的历史长河中，成就了数以万计的山水画家，经过一代代画家的传承和不断探索、发展，山水画已经形成一个具有完整的理论体系和创作规律的格局，每一个时代都有大家倍出，每一个具有独特风格的画家都是我们学习的楷模。

学习传统绘画要领之一——掌握以线造型的方法、技巧和规律。以线造型是古人根据国人的审美情趣、习惯和审美观创造的独特的表现形式。“线”在中国画中可谓画之骨，画之魂。中国画的线是与中国书法的造型线一脉相承的，讲究抑扬顿挫、一波三折、轻重返急。

学习传统绘画要领之二——皴、擦、染、点基本技法的把握。皴、擦、染、点是山水画表现物象的基本技法，通过巧妙的运用，能使物象更有质感和体积感，画面更有生气。一般传统绘画在用线进行勾勒以后，将进行反复皴擦（除青录山水外），然后进行染墨和色，最后打点以提神。通过一系列的技法处理，绘画的精神面貌就凸显出来，技法程度的把握将直接关系到作品效果的成败。

皴有点皴、线皴和面皴，擦往往是皴的继续，或者是皴的另一种表现形式，也叫干染，皴和擦经常是合二为一的，具体用什么皴，一是看个人喜好，二是看对象需要。染分染墨和染色，往往是指用水分叫多的墨或色在画面上进行点画，画面经过染以后就将有滋润和清新的效果。点有横点、竖点、圆点、尖点、干点、湿点等，把握得好，画面将浑厚华滋、苍茫一片，

学习传统绘画要领之三——丛树的组织。丛树，即多棵树组织在一起形成的块面，在传统绘画里面，古人多在近景上放一丛深动有趣的树木，往往一幅画的精髓也在这里，所以古人云：“画树之功居诸事之半”，由此可见树在山水画中的重要性。多棵树组织在一起，一定要注意枝干的穿插、大小高矮的变化、树与树之间的呼应、揖让，墨色的变化等，要整体，要符合画面需求。

学习传统绘画要领之四——探究古人画面的块面分割、画面构成、态势的创设。这三点其实也是我们常说的构图、章法等。块面分割和构成实属西方绘画名词，其实中国绘画同样可以借助这个名词理解画面，一张素纸朝天，怎样把其画成一张动人的山水画，个中元素其实就是用一块块大小不同的块面有机组合而成的，山水画中的物象我们先不看它是什么，首先只看其轮廓造型和黑白深浅的规律，它是怎样来填充和分割画面的，怎样创设态势，也即是怎样用这些块面来进行画面构成，只是很少有人这样提及罢了，无论什么画都讲构成。我们常说的山水画的近景、中景、远景，房屋、舟桥、树木其实都是一个个的块面，常说的“堆山垒石”的山和石更是一个个的块面。一幅画其实就是由这些黑白有变、虚实不同的块面构成。

块面分割要注意大小变化、纵横交错、相互间的穿插、呼应以及墨色上的丰富变化。大块里面又包含小块面，一般一个块面多是上浓下淡、近浓远淡，层层叠叠往后推移，多个块面组成画面要符合整体墨色变化。古人讲画有三远，即平远、深远、高远。这三远在墨色处理上是不同的，整体来说：平远的层次处理是近浓远淡，高远是上浓下淡，深远复杂多变。把握住了这些大关系，墨色上看去就顺眼了，否则墨色易平、乱、脏。

学习传统绘画要领之五——知白守黑，画面空灵。知白守黑，语出《老子》第二十八章　：“……知其白，守其黑，为天下式……”，黑的地方是画，白的地方也是画，学习绘画的人不知道这个道理就无从理解绘画的奥妙。关于学习传统的东西远不止这些，这里只是检主要的说一说，更多的奥妙大家自己慢慢体会和探索。

二、写生。它的主要功能在于使学生明白自然规律，即春、夏、秋、冬、风、雨、阴、晴的万千气象，自然物象的结构、生长规律，造型特点等。

写生即是把生活中的形象和对生活的感悟储存在大脑里，写生和创作有着相互相成、互相促进的作用，一个成熟画家一般具有什么样的创作风格，往往在其写生中体现得非常明显。比如造型、构图、笔墨关系的处理等，同时写生又会促进创作风格的改变，当画家在生活中有了新发现和新的感受，用以往的风格、技巧和方法不能促以表达，自然就得思索新的表现方法和新的技巧。历史上有成就的画家，无不是对真山真水情有独衷的人，他们创造的传世名作，无不是从生活中感悟得来，米芾父子画江南雨景，根据多雨迷蒙、变幻无常的江南自然景色，创作出以横点为主的表现手法，画出烟云变幻、雨霁烟消的效果。五代的荆浩、关仝画中原、太行一带高山峻岭，给人以雄强峻拔之感。董源、巨然画江南水乡，能生动地把江南气候湿润、烟雨空蒙的特色表现得淋漓尽致。明代画家王履画华山并作《华山序》云：“余师心， 心师目，目师华山”。可谓至理名言，道出了山水画写生和创作关系的真谛。

三、多读书，多研究古人和现代成功画家作品，取众家之长为我所用。

读书养性、观画养眼，是提升自身的艺术品格，摆脱尘俗之气的最佳良药。开始广读博览与艺术有关的、感兴趣的美学、文学类等古典明著；然后由博返约，有选择地研究与专业有关的画论，在广博的同时，不要忽视对一些经典之作的精读细嚼。画画之人特别是要找机会观摩古代书画展览，直面古代名家、大师的原作。在研究传统的同时，还要了解当代的艺术发展状况，这是寻求自身艺术发展方向的重要环节。中国绘画是古人独创并经过几千年的发展演变而形成的一门独特的绘画艺术，与西方的油画艺术共同成为世界性的两大画种。历代那些神秘、灿烂、或淡雅的绘画名品，都是我们民族的精华，是绘画艺术家们以审美方式与客体世界进行心灵对话的形象记录。这种对话有时达到了哲学化的高度，在“若坐、若行、若飞、若动”的纵横笔划之间，在“有丰致、有缥缈”的笔情墨象之中，蕴含着情思，也体现着“道”，表现着人格乃至对生命宇宙的体验。可以说，每幅画都凝结着民族与时代的心态，积淀着民族精神的文化层。中国绘画艺术是如此的丰富而悠久，精致而又美妙！要理解与感受博大与精深的中国绘画艺术，创作出具有丰富内涵和深邃意境的山水画作品，需要广博的知识和学养，准备在绘画上有所建树的人，必须多读书，读好书。